domingo, 24 de diciembre de 2017

"Prisioneros" de Dennis Villeneuve




Título original
Prisoners
Año
Duración
153 min.
País
Estados Unidos Estados Unidos
Dirección
Guion
Aaron Guzikowski
Música
Jóhann Jóhannsson
Fotografía
Roger Deakins
Reparto
, , , , ,, , , , ,, , , , 
Productora
Alcon Entertainment / 8:38 Productions / Madhouse Entertainment. Distribuida por Warner Bros.
Género
ThrillerDrama | CrimenPolicíacoSecuestros / DesaparicionesVenganza
Sinopsis
Keller Dover se enfrenta a la peor de las pesadillas: Anna, su hija de seis años, ha desaparecido con su amiga Joy y, a medida que pasa el tiempo, el pánico lo va dominando. Desesperado, decide ocuparse personalmente del asunto. Pero, ¿hasta dónde está dispuesto a llegar para averiguar el paradero de su hija? 

Si hubiera que nombrar a uno de los cineastas clave del 61º Festival de Cine de San Sebastián, ese sería, sin duda, el director canadiense Denis Villeneuve que presentó ni más ni menos que dos películas en la Sección Oficial del festival —son sus dos primeras incursiones en Hollywood— la interesantísima 'Enemy' y la que nos ocupa, 'Prisioneros', que se vio fuera de concurso y con motivo del Premio Donostia a Hugh Jackman. Ambas cintas muy diferentes, una más personal que la otra, pero igual de destacables y que sitúan a Villeneuve como uno de los directores a los que no perderles la pista. 'Prisioneros' es la más convencional de ambas cintas, pero aún así, termina resultando un elegantísimo y cuidado thriller sobre los límites que es capaz de cruzar el ser humano para defender a los suyos. En la cinta de Villeneuve conocemos a Keller Dover (Hugh Jackman), cuya hija de 6 años ha desaparecido junto a su amiga Joy. La mejor pista es una caravana desvencija que había estado aparcada en su calle y el detective Loki (Jake Gyllenhaal), al mando de la investigación detiene a su conductor (Paul Dano) para dejarlo poco después en libertad por falta de pruebas. Mientras la policía continúa la investigación y aumenta el pánico consicentes del peligro que corren la vida de las niñas, un desesperado Dover decide tomar las riendas del asunto. Pero, ¿hasta dónde estará dispuesto a llegar este padre desesperado para proteger a su familia?



A primera vista, 'Prisioneros' puede parecer una película más sobre el rapto de niños, una temática muy común en las películas de media tarde de Antena 3, pero lo cierto es que la desaparición de dos niñas no en la nueva cinta del canadiense no es más que una excusa para adentrarse en una parte del ser humano: sus extremos y de lo que somos capaces de hacer por proteger y defender a los nuestros. Y lo hace de una forma tremendamente directa, efectiva y que a menudo puede llegar a causar escalofrios. Denis Villeneuve nos muestra sin tapujos la transformación de un parde tranquilo y cariñoso en un animal sin escrúpulos capaz de todo por encontrar a su hija.

Resulta casi impensable que una película con casi tres horas de metraje matenga el ritmo y la tensión sin aburrir gracias a un ritmo constante y coherente, sin altibajos y con un guión lleno de giros y piruetas que quedan muy lejos de ser previsibles. Y todo ello mostrando un estilo clásico, muy potente y muy duro que enfatiza todavía más la desesperación de ese padre que busca a su hija desesperadamente y que hasta en alguna ocasión, consigue justificar sus terribles actos. 'Prisioneros' es un thriller que lleva el significado de la palabra a otro nivel y que analiza la desesperación en diferentes niveles gracias a su estilo directo, sin tapujos ni trampas y su portentosa propuesta visual.

Sin duda, una de las grandes bazas de la primera gran incursión de Villeneuve en el cine de Hollywood es un reparto, encabezado por un Hugh Jackman que si en algo nos recuerda a su mítico Lobezno es en la fuerza que transmite a esa transformación de padre tierno a padre desesperado y hasta monstruoso. Para darle la réplica, el personaje del policía involucrado en la investigación nos topamos con un impecable Jake Gyllenhaal, que termina convirtiéndose en la gran sorpresa de la película —otro de sus mejores papeles lo hace en 'Enemy', la otra incursión hollywoodiense de Villeneuve...¡qué siga esta colaboración!—.

De aspecto y comportamiento rudo, el policía de Gyllenhaal muestra la vulnerabilidad de su personaje a través de un casi imperceptible tic que nos deja con ganas de saber más sobre el personaje. Junto a ellos, el siempre impactante Paul Dano, escalofriante y vulnerable como primer sospechoso del secuestro y Maria Bello, como madre destrozada por la desaparición de su hija.



TRAILER:


Entrada original :https://www.espinof.com/criticas/prisioneros-la-desesperacion-de-un-padre

domingo, 2 de julio de 2017

"Colossal" de Nacho Vigalondo



Ficha




Título original
Colossal
Año
Duración
109 min.
País
Estados Unidos Estados Unidos
Director
Guion
Nacho Vigalondo
Música
Bear McCreary
Fotografía
Eric Kress
Reparto
, , , , ,, , 
Productora
Coproducción EEUU-Canadá-España-Corea del Sur; Voltage Pictures / Sayaka Producciones / Brightlight Pictures
Género
Ciencia ficciónComedia | MonstruosCatástrofesAlcoholismo
Sinopsis
Gloria (Anne Hathaway) decide dejar Nueva York y regresar a su ciudad natal tras haber perdido su trabajo y su novio. Pero, cuando en las noticias informan de que un monstruo gigantesco está destruyendo la ciudad de Seúl, Gloria se va dando cuenta poco a poco de que, a través de su mente, está conectada de forma extraña con estos acontecimientos. Para evitar que la destrucción vaya a más tendrá que averiguar el papel de su insignificante existencia en un evento colosal que podría cambiar el destino del mundo. (FILMAFFINITY)
Críticas


Hay que hacer un gran acto de contención para no caer en un tonto y obvio juego de palabras y escribir que el último trabajo de Nacho Vigalondo es colosal, pero lo cierto es que lo es. El extravagante director cántabro ha dado con el punto exacto entre la intimidad y personalidad del cine indie estadounidense y el entretenimiento explosivo de los blockbusters palomiteros.  Solo la sinopsis de Colossal ya debería ser más que suficiente para despertar la curiosidad de cualquier cinéfilo ávido de nuevas propuestas. A saber, Gloria es una mujer que tiene problemas con el alcohol y decide, cuando su novio la deja precisamente por ese motivo, abandonar Nueva York y regresar al pueblecito en el que se crio. Allí recupera el contacto con un viejo amigo e inicia una nueva vida, pero todo da un sorprendente giro cuando un monstruo gigante aparece en Seúl y ella descubre que tiene una conexión sobrenatural con la criatura que está destruyendo la capital surcoreana. A partir de esta loca premisa, con la que uno podría esperar tal vez una comedia surrealista o un homenaje friki y algo frívolo al género kaiju (el cine de monstruos nipón), Vigalondo construye un relato profundo, una historia de personajes en la que el núcleo de todo es Gloria, una mujer joven incapaz de madurar, excesivamente dependiente de los hombres y cuyos monstruos interiores se acaban manifestando de la forma más literal e impactante imaginable. Pero que nadie tema, la metáfora no es un mero sueño o una fantasía, la criatura existe y destruye y mata, pero también sirve para representar una batalla mucho más íntima y humana. El genial disparate de 'Colossal' no te deja parpadear, y Anne Hathaway tampoco El genial disparate no te deja parpadear –siempre deseas saber qué te depara la siguiente escena– y Anne Hathaway tampoco. Encantadora, simpática, inmadura e incluso heroica, llena la pantalla y consigue la complicidad del espectador cada vez que hace una mueca, sonríe o se rasca la cabeza, su peculiar tic. En Colossal hay humor, pero no es una comedia; hay amor, pero no es una película romántica; hay drama, pero no la verás en las sobremesas de fin de semana de Antena 3; hay seres monstruosos del imaginario oriental, pero no tiene nada que ver con Pacific Rim; e incluso se vislumbran, con un rollo muy Shyamalan, las aristas de las historias de superhéroes, aunque obviamente no es una de ellas.

 Lo último de Vigalondo es un poquito de todo eso y, al mismo tiempo, algo diferente, original y divertido, una especie de cuento de autodescubrimiento tardío y forzado por la intervención divina del primo de Godzilla. Habrá quien piense que no era necesario dar explicación al fenómeno paranormal que es el pilar sobre el que se sustenta Colossal, o que el final debería haber sido más sutil de lo que es. Pero, si uno echa a un lado los complejos, se quita las gafas de pasta y se deja llevar por la magia, no puede más que rendirse a la imaginación y el descaro del director español. Vigalondo ha conseguido con Colossal su obra más redonda y, si hay justicia en el universo kaiju, no tardará en convertirse en un nombre de referencia en Hollywood.


Trailer:



Entrada de:
 
http://www.20minutos.es/noticia/3078358/0/critica-colossal-nacho-vigalondo-anne-hathaway/#xtor=AD-15&xts=467263

viernes, 28 de abril de 2017

DRIVE de Nicolas Winding Refn



Título original
Drive
Año
Duración
100 min.
País
Estados Unidos Estados Unidos
Director
Guion
Hossein Amini (Novela: James Sallis)
Música
Cliff Martinez
Fotografía
Newton Thomas Sigel
Reparto
, , , , ,, , , , ,
Productora
FilmDistrict / Bold Films / Odd Lot Entertainment / Marc Platt Productions / Seed Productions
Género
ThrillerAcciónDramaCine negro | Neo-noirRobos & AtracosCoches / AutomovilismoCine independiente USAPelícula de culto
Web oficial
http://www.drive-movie.com/
Sinopsis
Durante el día, Driver (Ryan Gosling) trabaja en un taller y es conductor especialista de cine, pero, algunas noches de forma esporádica, trabaja como chófer para delincuentes. Shannon (Brian Cranston), su jefe, que conoce bien su talento al volante, le busca directores de cine y televisión o criminales que necesiten al mejor conductor para sus fugas, llevándose la correspondiente comisión. Pero el mundo de Driver cambia el día en que conoce a Irene (Carey Mulligan), una guapa vecina que tiene un hijo pequeño y a su marido en la cárcel. (FILMAFFINITY)
Premios
2011: Oscars: Nominada a mejores efectos sonoros
2011: Festival de Cannes: Mejor director
2011: Globos de Oro: Nominada a Mejor actor secundario (Albert Brooks)
2011: National Board of Review (NBR): Top 10 - Mejores películas del año
2011: Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo mejor película, director y montaje
2011: Premios Cesar: Nominada a Mejor película extranjera
Críticas


El film noir es por encima de todas las cosas, atmósfera. Si estamos de acuerdo, Drive es cine negro en estado puro. Ganadora del premio al mejor director en el Festival de Cannes, y presente en San Sebastián y Sitges, recupera el placer lúdico que se deriva de cualquier propuesta bien codificada bajo los parámetros genéricos, y como buen cine manierista, ésta lo es en grado sumo, violenta la mirada dentro de un canon clásico. Sus deslumbrantes coordenadas plásticas a la vez que nos invitan a mirar, se revuelven contra nosotros mediante brutales y desproporcionadas explosiones de violencia, breves y directas como una patada en el estómago, con una contundencia que paraliza las retinas (muy destacable la función del sonido como arma de impacto). Dentro de las múltiples y multiformes tendencias que puede adoptar el cine negro en la actualidad (véase sino el reciente libro que edita el Zinemaldia), Drive busca erigirse, por derecho propio, en una de las más notables realizaciones que buscan estampar el relato criminal desde la más elaboradas estilizaciones posibles. 


En la línea del Collateral (2004) de Michael Mann (las tomas nocturnas de Los Angeles, tanto las panorámicas aéreas como las terrestres, reverberan ese aspecto onírico y fantasmagórico que ya contaban en el film de Mann), la realización de Nicolas Winding Refn deviene una rendida fascinación por la metrópolis nocturna, posiblemente desde la óptica embelesada del extranjero, dado que estamos ante el primer trabajo del cineasta danés en suelo norteamericano. Pero, pese a lo previsible, el conjunto tonal se aleja de la luz metálica característica de la ambientación noctámbula dentro de un ambiente urbano. Porque para abrigar la lírica y elíptica love story que alberga el film, el conjunto tonal opta por los colores terrarios, desde el amarillo más macilento para la iluminación sonámbula de los neones de las farolas, hasta el rojo más intenso para los villanos de la función (el color que domina en la pizzería de Nino, Ron Perlman, y el mismo, saturado y radiante, para la brutal secuencia donde un martillo se desboca). Entre medio, el cobrizo más envolvente (el que domina en el ascensor donde se besan por primera vez los protagonistas) para irradiar la historia de amor en el espacio yermo de la violencia, como si fuese un milagro que surge de la más sórdida de las inmundicias.


Trailer

lunes, 26 de diciembre de 2016

"Rogue one " una historia de Star Wars




Título original
Rogue One: A Star Wars Story
Año
Duración
133 min.
País
Estados Unidos Estados Unidos
Director
Guión
Chris Weitz, Tony Gilroy (Historia: John Knoll, Gary Whitta; Personajes: George Lucas)
Música
Michael Giacchino
Fotografía
Greig Fraser
Reparto
,
Productora
The Walt Disney Company / Lucasfilm
Género
Ciencia ficciónAcciónBélico | Aventura espacialSpin-offStar Wars3-D
Grupos
Saga Star Wars 
Sinopsis
El Imperio Galáctico ha terminado de construir el arma más poderosa de todas, la Estrella de la muerte, pero un grupo de rebeldes decide realizar una misión de muy alto riesgo: robar los planos de dicha estación antes de que entre en operaciones, mientras se enfrentan también al poderoso Lord Sith conocido como Darth Vader, discípulo del despiadado Emperador Palpatine. Film ambientado entre los episodios III y IV de Star Wars. (FILMAFFINITY)
Críticas

Cuando George Lucas acabó la segunda trilogía de Star Wars, la impresión general era que la saga necesitaba una renovación. Además, el propio realizador fue consciente de que la vida no le alcanzaría para concluirla y que había que pasar la mano a otros. Vendió Lucas Films en 2012 a la Disney en US$ 4.400 millones reservándose un derecho de supervisión y pasó a presidir la Fundación Educacional Lucas.
Por su lado, la Disney hizo un gran negocio (que completó adquiriendo Pixar y Marvel, lo que le da un casi monopolio de entretenimiento: tiene el 25% del total de ganancias de las majors en 2016) y no tardó en anunciar una nueva trilogía, cuyo primer episodio puso en las experimentadas manos de J.J. Abrams, un guionista y realizador que apreciamos, pero que fue llamado también porque había sido el exitoso renovador de Misión imposible y Star Trek.
El resultado se conoce, con un presupuesto de US$ 200 millones y una muy bien llevada campaña publicitaria, Stars Wars VII (2015) superó los mil millones de recaudación, sin contar un filón mayor en videojuegos y juguetes. Stars Wars VIII, ya rodada, se anuncia para el próximo año, pero la Disney quiere amortizar cuanto antes su compra millonaria y ese es el origen de Rogue One, el primer spin off (historia autónoma desprendida de otra) de la saga de Lucas. Otros seguirán, alternándose con los episodios principales.
Al frente de esta aventura se encuentra el británico Gareth Williams (Nuneaton, 1975), con un máster en la U. of the Creative Arts en Farnham (Surrey), quien se inició como especialista en efectos especiales para la BBC, tarea que dejó para dirigir Monsters (2009), thriller de bajo presupuesto que tuvo enorme acogida y le aseguró que la Warner le confiara el remake de Godzilla (2011). Seguidor de Lucas, Spielberg y Tarantino, era muy adecuado para el encargo.
Es necesario anotar un hecho mayor: la historia, que ocurre inmediatamente antes del episodio IV de la saga (el primero en ser filmado, 1977) contaba entre sus personajes a Grand Moff Tarkin, comandante de la Estrella de la Muerte, encarnado por el gran actor inglés Peter Cushing (Van Helsing y el barón Frankenstein en los clásicos de la Hamer), quien falleció en 1994. Pues bien, gracias a la tecnología denominada Computer Generated Imagery y al consentimiento de su familia, Cushing es “resucitado” aquí, idéntico a sí mismo. Es la primera vez que ocurre (pero no la única; en la secuencia final hay otro caso) y abre interrogantes jurídicos y éticos.

 Mientras que Lucas mantuvo un equilibrio cuidadoso entre el lado fantástico y utópico de la saga (todo lo relacionado con lo que el mundo anglosajón denomina “fantasía heroica”, con sus referencias al ciclo arturiano a través del círculo de los jedi y la vaga religiosidad relacionada con la Fuerza y su Lado Oscuro) y esa mezcla inventiva de géneros que le permitió servirse del western, la ciencia-ficción, la cinta de guerra y hasta de los samuráis de Kurosawa para las peleas con sables láser, es este segundo componente el que predomina aquí.
En efecto, los héroes diseñados por Weitz y Gilroy y desarrollados por Edwards se aproximan a la condición de antihéroes, moviéndose entre los pliegues confusos de una ética más relajada y ambigua. No es extraño que, aparte de la frase ritual “que la Fuerza te acompañe”, no intervenga ningún jedi en la historia ni se haga referencia, hasta el final, a ninguno de los protagonistas principales de la saga. Aquí lo que tenemos es un puñado de marginales y aventureros que acaban cumpliendo un rol clave porque deciden hacer frente a los siniestros planes del Imperio.
En Rogue One la esperanza sustituye a la fe, y mejor si se apoya en argumentos prácticos. La tarea que parece haberse propuesto Edwards consiste en hacer pisar tierra a sus personajes. Por eso los mejores momentos son aquellos en los que se recurre al género bélico, con combates urbanos, tácticas de guerrilla, desembarcos en cabeceras de playa, asalto y defensa de posiciones, etc., todo lo cual contribuye a ligar a la historia con imágenes de nuestro alborotado tiempo.
Nada de lo anterior estaba ausente en los clásicos de la serie, que Rogue One sin duda mira con respeto, pero también con la sensación de que requieren de una actualización. De allí que sus últimos 40 minutos, dedicados a la gran batalla entre las fuerzas de la Alianza Rebelde y las del Imperio –y que tiene como punto de referencia la épica de aquella, memorable, de El retorno del jedi– nos parezcan de lo mejor de esta entrega. Reaparecen allí las reconocidas máquinas bélicas de la juguetería Lucas, pero defensores y asaltantes se mueven con desapego en una nueva topografía.
La variedad étnica y geográfica del equipo que se embarca ha provocado los ataques de grupos supremacistas norteamericanos, que consideran que esta troupe favorece futuras invasiones de inmigrantes y ven en ellos el rostro de un “otro” a quien no desean como vecino. Es el lado grave de una polémica que, sin ellos, se hubiera limitado al viejo debate entre quienes prefieren que la saga de Lucas se mantenga tal como la conocieron en su niñez y aquellos que prefieren que reciba aportes novedosos que la modifiquen, respetando una cierta continuidad.
La respuesta no es simple, pero todo lo que no cambia se anquilosa. Gareth Edwards y sus guionistas ganan su apuesta por puntos: Rogue One es una muestra de buen oficio y una prueba de que no es necesario dinamitar una saga que lleva 40 años para renovarla. Si la Disney no se torna demasiado codiciosa y abusa de los spin off, es posible que tengamos Star Wars para rato.

viernes, 25 de noviembre de 2016

"Animales nocturnos" de Tom Ford




'Animales nocturnos' llegará muy pronto a los cines, trasladándonos a un thriller que nos dejará sin aliento debido a sus grandes dosis de locura, violencia y tensión. Tom Ford, quien ya nos impresionara con 'Un hombre
  soltero'en 2009, tiene previsto hacernos sufrir en las butacas con su segundo trabajo, el cual logró alzarse con el León de Plata en el pasado Festival de Venecia.
Título original
Nocturnal Animals
Año
Duración
115 min.
País
Estados Unidos Estados Unidos
Director
Guión
Tom Ford (Novela: Austin Wright)
Música
Abel Korzeniowski
Fotografía
Seamus McGarvey
Reparto
Productora
Focus Features / Universal Pictures
Género
ThrillerDrama
Sinopsis
Narra la historia de Susan Morrow, una mujer que tras abandonar a su primer marido, un escritor inédito, vive ahora con un médico. De repente recibe un paquete en el que descubre la primera novela de su ex, quien en una nota le pide que por favor la lea, pues ella siempre fue su mejor crítica. Susan lo hace y a medida que se sumerge en la narración, la propia novela acaba olvidando la historia principal para acabar hechizada por este relato dentro del relato, síntoma evidente de que a la nueva vida de Susan le falta algo y deberá explorar en su pasado para saber qué es lo que le impide seguir adelante. (FILMAFFINITY)

Estreno en USA: noviembre 2016.
Estreno en España: diciembre 2016.
Preestreno: Festival de Toronto 2016
Premios
2016: Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado
Críticas


Trailer:

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